INCOMPLETOS Y A MEDIAS

Intro

"Incompletos y a medias" no es más que un espacio para la publicación de nada, es decir, de cualquier cosa por lo general incompleta y que denota gran falta de conocimiento en el uso de signos de puntuación. No sé escribir, ni sé ortografía, es un privilegio de una educación de primera clase.

Aquí cabe de todo como en la "nada". "Nada" es una palabra mágica, ella puede resumir en si misma frases enteras, un ejemplo de esto es que después de haber dicho mil palabras, si la persona a la que se las dijiste pregunta ¿qué?, tu respuesta se puede comprimir a un simple "nada"(obviamente dicho con rabia), es súper útil. Su contraindicación es que puede hacer de una conversación una cosa monótona (Nota: nos comprometemos a evitar utilizarla).

¡Qué viva el Roblog!

Bueno, ¡suficiente!

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Me encanta el poster de esta peli…..   Colores + Colores y + colores!!! y esas marcas como si hubiera estado doblado.

Para aquellos que deseen revivir las emociones del pasado y sentir un poco de nostalgia por épocas de paz, amor y bueno también de excesos, tenemos la última película del oscarisado Ang Lee “Bienvenido a Woodstock”. En esta comedia basada en las memorias de Elliot Tiberg (Demetri Martin) vemos cuál fue su participación en la organización del primer festival de Woodstock en 1969 y cómo la realización de este histórico evento lo salvo de la ruina a él y a su familia (en realidad sólo a él).

A lo largo del film irán apareciendo distintos personajes disparatados de los cuales llaman la atención la madre de este (Imelda Staunton) una amargada rusa traumada por la persecución de los judíos y la guerra; el absolutamente relajado caballero al galope, Michael Lang (Jonathan Groff), personaje basado en quien fuese uno de los organizadores del evento; un  excombatiente de Vietnam bastante drogado y loco (el cual en realidad no parece haber pasado por ninguna guerra) y un travesti robusto con corazón de muffin y dos armas bastante grandes (Liev Schreiber),  entre muchos otros todos muy particulares y exagerados (espero) a propósito para hacerlos paródicos.

Desde el punto de vista de si es una mala o buena película, simplemente es divertida, es lo que llamaríamos una “peli de fin de semana”, graciosa pero intrascendente.

En cuanto a los detalles de la película destacan la fotografía que con el uso de ciertas imágenes que parecen haber sido tomadas con cámaras de la época dan la sensación de documental, sin mencionar la  buena vibra y humor que trasmite la peli.

Así que sumerjámonos en la psicodelia y acompañemos a Elliot en su historia aunque todo lo que veamos no sea el verdadero Woodstock (al que por cierto nunca llegamos) sino la idealizada visión de Ang Lee de algo que ni él ni nosotros vivimos.

Una visión nada real de algo real.

Ficha técnica:

Título: Taking Woodstock

Género: Comedia

País: EEUU

Duración: 1:10 min

Año: 2009

Dirección: Ang Lee

Guión: James Schamus (adapta la novela de Eliot Tiber.

Fotografía: Eric Gautier

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NOTA 1: el poster de la película hace referencia a esos momentos en el que el tiempo se detiene y Ben puede admirar aquello que mas le gusta, la belleza femenina.

 

Cada segundo es hermoso sólo hay que detenerse a verlo, de alguna forma ese es el tema de Cashback, película británica de Sean Ellis del 2006, en la que un joven estudiante de arte llamado Ben Willis (Sean Beggerstaff) comienza a trabajar en las noches para obtener algún tipo de vuelto o cambio (Cashback) por el insomnio que le ha dejado la ruptura con su novia. En este sitio conocerá personas que como él tienen su propia forma de tolerar la torturante jornada de 8 horas de trabajo, es decir, de hacer que el tiempo (peor enemigo en esos casos) pase sin que se note; tan rápido como sea posible.

Llena de elementos fantásticos como la capacidad del protagonista de detener el tiempo para verlo todo en su máxima belleza y prolongar lo inevitable, el director juega con esa fantasía humana (haciéndolo con cierta inocencia y carga erótica) para hacernos entender que cada momento tiene magia; sólo hay que mirar con mayor atención y sin prejuicios.  Esto me recuerda la frase con al que termina el drama francés (absolutamente deprimente) La Dentellière: “Él habría pasado por su lado sin verla. Porque ella era de esas almas que no hacen ninguna señal, pero que hay que examinar pacientemente y sobre las cuales hay que saber posar la mirada. Un pintor la habría tomado como modelo. Habría sido lavandera, portadora de agua o bordadora”, todos estos elementos no hubieran importado porque ese pintor en este caso con nombre, Ben, habría visto su belleza.

La música es grandiosa; la manera en que mezclan todas las pistas con las escenas es muy buena, un ejemplo es la secuencia en cámara lenta de los estallidos emocionales de las novias de Ben que tiene como fondo Casta Diva de la opera Carmen de Bellini, el resultado es genial, otra escena muy buena es cuando cae en la cama después de hablar por teléfono con su ex, entre otras. En general tiene un gran número de elementos estupendos.

En cuanto a las cosas que no me gustaron tenemos la secuencia del partido de fútbol, ver al idiota jefe de Ben sangrar por la nariz y hacer el ridículo resulta divertido pero toda la escena en mi opinión es innecesaria (leyendo por internet me di cuenta que no soy el único que opina esto),  parece mas bien un intento de alargar la película, teniendo en cuenta que primero fue un corto, aunque estoy seguro que pudieron llenar ese tiempo con algo mejor.

NOTA 2: el final es muy dulce….

Ficha técnica:

Título: Cashback

Género: Drama/Comedia

País: Reino Unido

Duración: 142 min

Año: 2006

Dirección y guión: Sean Ellis

Fotografía: Augus Hudson.

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Basada en la novela homónima de Virginia Woolf, esta película cuenta la historia de un joven aristócrata que nace en la época isabelina y vive por largos siglos sin que el tiempo pase por él, cambiando en determinado momento de sexo y sufriendo como consecuencia las limitaciones que esto significa en la época que le toca vivir como mujer.

La película hace un esfuerzo por ser fiel al contenido del libro y nos muestra la evolución del carácter de Orlando a lo largo de su larga vida de 400 años al dividir la narración en pequeños capítulos o partes que desarrollan distintos aspectos de su existencia como la muerte, el amor, la poesía, la política, la sociedad, el sexo, la vida. La directora Sally Potter trata de mantener en el personaje la capacidad de sorprenderse y de descubrir constantemente cosas en su entorno; al igual que el Orlando del libro la melancolía y la soledad que lo caracterizan están presentes desde el principio hasta el fin; es algo propio, por decirlo así, de aquellos espíritus libres y diferentes, era quizás así como Virginia Woolf imaginaba a su amiga Vita, como un espíritu que estaba por encima de su tiempo, de esa sociedad victoriana tan detestada por ambas.

La extraña y misteriosa belleza de Tilda Swinton es constantemente realzada gracias a  todo los cambios de vestuario que tiene durante el film, elemento que hace de esta cinta un dulce para los ojos desde el punto de vista de la dirección artística y del diseño de vestuario, perteneciente a Sandy Powell.

Un detalle que resulta divertido de la película es el recurso de hacer que Orlando nos vea y nos hable directamente haciéndonos participes de la su historia (particularmente el ver que Tilda me dirige la palabra resulta intimidante y también sorpresivo, sobre todo la primera vez que lo hace). Otro detalle particular es el hecho de que para interpretar a la Reina Isabel I se haya recurrido a un actor, Quentin Crisp, y no a una actriz, esto con el fin de remarcar aun mas la idea de dualidad del ser humano y de su sexualidad, lo que está presente durante todo el film por medio de distintos elementos y diálogos, como las líneas de las voces en off que aparecen al inicio y al final de la película con frases como:

“no puede haber duda sobre su sexo. A pesar del aspecto femenino que los hombres jóvenes de su época desean.”

“Ella, de la que no hay ninguna duda sobre su sexo… Es alta y delgada con el ligero aspecto andrógino que las mujeres de su época desean”

O como cuando al descubrirse mujer, Orlando simplemente dice Same person, no different at all, just a different sex, como si esto no fuese relevante.

Ficha Técnica:

Titulo: Orlando

Genero: Drama / Ficción

País: Reino Unido

Duración: 93 min

Año: 1992

Dirección: Sally Potter

Guión: Sally Potter (adaptando la novela de Virginia Woolf)

Fotografía: Alexei Rodionov

PD: deteste al ángel que aparece al final del film.

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Cuán malo se puede llegar a ser y cuán divertido puede llegar a ser este juego, las repuestas a esos cuestionamientos ya las conocía la Marquesa de Merteuil cuando pensó en llevar a cabo una pequeña revancha particular contra su ex amante Bastide. Pero como todo juego es más divertido si se comparte con alguien, sobre todo si se le necesita, esta invitó a jugar a su íntimo amigo el Vizconde de Valmont, para qué, para corromper la inocencia de su virginal sobrina Cecile Volange próxima a casarse con Bastide. Lamentablemente esta heroica misión se interpone con el pequeño reto personal de Valmont, conquistar a la conocida y honorable recién casada madame de Tourvel, mas, quién dijo que estas dos cruzadas no pueden llevarse a cabo al mismo tiempo, el único posible inconveniente es que se llegara a involucrar ese molesto sentimiento llamado amor.

Esta perversa y divertida película de 1988 dirigida por Stephen Frears y basada en la novela de Christopher Hampton, Las Amistades Peligrosas, nos muestra a la decadente nobleza  del siglo XVIII a través de intensas pasiones maliciosamente tejidas entre manipulaciones, juegos sexuales y diálogos insinuantes, todos extraordinariamente sublimizados en hermosos decorados, cremosas sedas, lazos y mascaras blancas, elementos que nos hace amar a sus insidiosos protagonistas por encima de su crueldad y perfidia.

El elenco está encabezado por Glenn Close. Grandiosa como es trasmite toda la fuerza y crueldad propias de su personaje de forma tan delicada que uno no puede más que amarla. Verla al principio de la película contemplándose en el espejo; orgullosa de su imagen y absolutamente consiente de de su poder, es brutal. Cada uno de sus movimientos es discreto, delicado, suave y seductor. Por su parte, Malkovich, no siendo un hombre  guapo, resulta atractivo, mientras que la Pheiffer es tan cándida (candidez reforzada por esa ropa nada provocativa) que podríamos pensar que es una gran hipócrita sino supiéramos que en realidad es una idiota.

Los diálogos son irónicos y divertidos, siempre musicalizados por un clave, en particular uno de los que mas me gusta es el siguiente:Valmont: -seducir a una mujer renombrada por su honor, su fe religiosa y su dicha matrimonial, ¿qué puede haber mas prestigioso?

Merteuil: -creo que es degradante tener a un marido como rival. Hace la derrota humillante y ordinaria la victoria. No creo que te de ningún placer.

Valmont: -Oh sí! Verás, no tengo intensión alguna de vencer sus prejuicios, quiero que tenga fe en dios, en la virtud y santidad del matrimonio y que aun así no pueda detenerse.

Quiero sentir la emoción de verla traicionar todos sus principios, eso lo podrás entender, “perfidia” es tu palabra favorita

Merteuil: -No, no… es crueldad. Me parece que tiene un tono más noble.

Por su parte, siguiente eufemismo es muy divertido:

Valmont: -pero, todo esto es muy inconveniente. La Condesa de Beaulieu quiere que la visite.

Merteuil: -Pues tendrás que darle excusas

Valmont: -pero la condesa me ha prometido el uso de su “jardín”, parece que su esposo no tiene muy buena mano.

Merteuil: -tal vez no, pero dicen que todos sus amigos son jardineros.

Valmont: -¿no me digas?

En fin, la película nos brinda excelentes actuaciones (menos la de Keanu Reeves), una acertada (pero Hollywoodense) dirección artística y un guión que echa por tierra a cualquiera de las demás adaptaciones cinematográficas de esta historia (sobre todo a Cruel Intentions).

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Cabe destacar que unos meses atrás tuve el placer de ver una obra de teatro basada en esta misma historia la cual fue montada con el nombre de “Cuarteto” en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural. Diana Volpe y Ricardo Nortier interpretaron a  Merteuil, Valmont y sus victimas luciéndose en esos cambios de roles de una manera única en escena. Con diálogos mucho menos discretos y mucho más sexuales que sensuales nos dieron a la audiencia un vistazo de ese “teatro de bestias” que llamamos vida, en donde “cada palabra abre una herida, cada sonrisa desnuda un colmillo. (En el que) deberíamos dejar que nuestros papeles fueran actuados por tigres. Otro amable mordisco. Otro zarpazo. El arte dramático de las bestias”.

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Esta obra contó con un vestuario muy particular; realizado a partir de de material de reciclaje (plástico de embalar, chapas, lona, etc.). Mientras el escenario era el de una  pocilga a la que los actores entraban por un agujero que asemejaba un bajante de basura cayendo directamente en un conteiner, lugar totalmente apropiado para estos decadentes seres humanos.

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Ya para finalizar debo decir que esta pieza, según una amiga, salió de gira por Brasil (y creo que actualmente se encuentra allá) cosa que me alegra muchísimo.

Título: Dangerous Liaisons

Género: Drama

País: Estados Unido

Duración: 1:59 min

Año: 1988

Dirección: Stephen Frears

Guión: Christopher Hampton

 Fotografía: Philippe Rouselot

NOTA:

Cuarteto de Heiner Müller

Dirección: Orlando Arocha

Elenco: Diana Volpe y Ricardo Nortier

Vestuario: Joaquín Nandez 

 

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Soñar un mundo más justo y menos mierda es una constante en el ser humano. De ahí  tantas revoluciones, luchas por derechos,  por libertades, etc. Luchas en su mayoría realizadas por gente joven, quizás porque están menos corrompidos y aun la realidad no les ha arrebatado esa capacidad que menciono al principio.

Esta película alemana de Hans Weingartner habla de esos sueños a través de la historia de dos jóvenes idealistas, Jan (Daniel Brühl) y Peter (Stipe Erceg), que con de actos no violentos de rebeldía tratan de enviar a las acaudaladas familias alemanas el mensaje de que sus días de bonanza y seguridad económica están llegando a su fin. Todo va bien hasta que Jan comete una imprudencia junto con la  novia de Peter, Jule (Julia Jentsch), y terminan atrapados en un secuestro que los pondrá cara a cara con un representante de ese poder que tanto desprecian.

Este film anticapitalista nos muestra el enfrentamiento de dos formas de pensar, a los explotados y a los explotadores, unos rodeados de lujos y vanos caprichos y otros con trabajos duros y cuentas por pagar, unos con la idea de un mundo mejor y otros con la idea de que el mundo es lo que es y hay que adaptarse a él.  

Debo admitir que los personajes de esta película me molestaron un poco ya que tienen la característica de ser  soberbios y creerse mejores que el resto, supuestamente porque piensan en el mundo, sin recordar que somos naturalmente egoístas y siempre queremos más. Al final ellos también son así, como dice Jule “lo secuestramos para salvar nuestro pellejo no para cambiar el mundo”. Terminan actuando con ese egoísmo que impulsa a la mayoría a actuar por su propio bienestar, demostrando que el problema somos nosotros no la idea. La idea como dijo Platón es eterna y perfecta, nosotros, por el contrario, somos quienes las corrompemos.

Divertida, ingeniosa y con diálogos reflexivos; Los Edukadores es una especie de drama cómico (aunque este catalogada como un Thriller, no sé por qué) que entre hermosos paisajes nos permite pensar que vale la pena seguir ciertas ideas y  causas, entendiendo que somos humanos y que el infierno está plagado de buenas intenciones, más, no por eso debemos dejar de perseguir ciertos sueños ya que por encima de nosotros “las mejores ideas sobreviven”.

En relación al final, es un “happy ending” común pero por lo menos se agradece que no haya sido tan HAPY ENDING como para reformar al capitalista, porque:

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Algunas personas nunca cambian.

Ficha Técnica:

Título: Die fetten janhre sind vorbei (Los Edukadores)

Género: Comedia/Drama

País: Alemania

Duración: 127 min

Año: 2005

Dirección: Hans Weingartner

Guión: Katharina Held & Hans Weingartner

Fotografía: Matthias Schellenberg & Daniela Knapp

PD: a Daniel Brühl posiblemente lo recuerden de Goodbye Lenin y a Julia Jentsch de Sophie Scholl

mitercermundo:

Surcoreana. Intensa. Bonita, bonita.

(véanla)

South Korea, 2010. Must watch.

(via tavzwork)

tavzwork:

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Haciendo mercado de películas, como suelos llamar a mis andanzas por el pasillo de ingeniería en la Central, me encontré con esta película húngara del 2006, opera prima de Ágnes Kocsis.

Trata de dos mujeres, madre e hija, quienes son incapaces de comunicarse entre ellas y únicamente se reúnen para ver una serie de televisión. Según la sinopsis oficial ambas están secretamente enamoradas del protagonista, pero de esto únicamente nos percatamos porque ya se nos dijo. En la película sólo aparece una foto de un hombre pegada en una pared la cual no nos diría nada de no ser por el dato previo. En fin, ambas están buscando algo más. La madre, Viola (Júlia Nyakó), trabaja en un baño público en el subterráneo y va a salones de baile por las noches, quizás con la esperanza de encontrar un amor. Ángela (Izabella Hegyi) no la tolera, se avergüenza de ella y de su trabajo, mientras sueña con diseñar ropa. En conclusión, las dos están inconformes con sus vidas y desean con un cambio, literalmente, “un aire fresco”.

Sin diálogos interesantes y con grandes silencios la atención termina centrándose en la tensión existente entre estas mujeres que son incapaces de verse a los ojos, de comunicarse o convivir en el mismo espacio sin que se transmita esa profunda incomodidad entre ambas. La brecha invisible no se rompe en ningún momento, ni en aquellos instantes en los que chocan porque hasta en sus enfrentamientos son frenadas por la falta de palabras para continuarlos.

Con una fotografía de colores fríos, en donde reinan los tonos grises, se acentúa la desolación de dos personas que sueñan pero que no logran correr tras esos sueños y aun intentándolo, todo las regresa al mismo punto. Se destaca el aparente uso simbólico de los colores en el vestuario. Viola, por ejemplo, siempre va vestida de tonos rojizos, quizás haciendo referencia a ese lado romántico o a esa pasión contenida. Ángela, siempre en tonos verdes que pueden relacionarse con su juventud y con la esperanza que deposita en sus sueños.

Esta historia transcurre sin música, entre gélidos espacios abiertos y ambientes cerrados en donde peceras artificiales, flores de plástico y un papel tapiz, que simula un bosque, tratan de contrarrestar lo claustrofóbico de estas rutinarias vidas y el silencio que las envuelve. Silencio, eco de esa incapacidad humana para comunicarse; problema que no se resuelve en el film dejándonos con un final en donde el aire fresco nunca llega, a menos que venga en las latas de ambientador que Viola compra para disipar el mal olor de su sitio de trabajo.

Ficha técnica:

Título: Friss Levegö (Fresh Air)

Director: Ágnes Kocsis

País: Hungría

Año: 2006

Duración: 109 min.

PD: No tienen idea lo difícil que es conseguir una imagen decente de esta película, sin mencionar que no encontré ni un trailer o escena de ésta en YuoTube…

elplacerde:

¿Cuál es la forma más simple de representar una película?

Ésta es la pregunta que obsesiona a Viktor Hertz, un diseñador que ha creado lo que él ha denominado como Pictogram Movie Posters, una colección de imágenes sorprendentes, con las que intenta transmitir la idea principal de un film de la manera más sencilla.

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(via tavzwork)

elplacerde:

Carteles minimalistas, by Brickhunt 

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(via tavzwork)

geek-art:

 

Geek-Art.net :

Ollie Boyd : Movie Posters

Awesome movie posters by graphic designer Ollie Boyd.

via Superpunch

(via tavzwork)

tavzwork:

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A todos, por más que luchemos contra ello, nos gusta la moda y la ropa. Con ella expresamos quienes somos. Podemos vestir una franela de marca desconocida y decir con esto que nos importa un pepino la moda o, por el contrario, podemos usar un saco Armani porque amamos el lujo que representa esa marca, pero por más caro o barato que resulte lo que vistamos nunca estaremos exentos del mundo de la moda. El personaje de Miranda Presley (Meryl Streep) lo dejó bien claro en The Devil Wears Prada: todo lo que vestimos y creímos haber escogido en una tienda, previamente fue seleccionado por un grupo de editores de una pila de cosas.

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Qué es un mundo de “gente tonta”. Definitivamente no diría eso, considerando que se sostiene sobre una industria multimillonaria que constantemente se ha renovando de forma exitosa.

The September Issues nos introduce en el centro de esta industria, en el sitio de donde salen todas las tendencias que veremos en las revistas y vitrinas en los siguientes meses. La Vogue Norteamericana, especialmente su número de septiembre, es la revista más importante en su ramo y, como vemos en este documental, su editora en jefe, Anna Wintour, es la máxima autoridad de este exclusivo mundo en el que la última palabra siempre es la suya.

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La Santísima Trinidad de la Moda jajaja…

Sin embargo, aunque podamos pensar que el documental sirve para enaltecer desmesuradamente a este personaje (casi mítico para algunos), no es así. Durante una hora veinte minutos vemos a todas las personas que hacen posible que la revista salga mensualmente, pero principalmente vemos el trabajo de Grace Coddington.

Esta mujer es el alma creativa y artística de la revista. Su idea de la moda como “un mundo de juegos e imaginación” han hecho posible la mayor parte de las fantasías que hemos visto en las páginas de esta publicación desde hace mas de 20 años. Literalmente podemos sentir como se le va la vida en su trabajo al ver la frustración y el sufrimiento que muestra ante cada foto descartada por Anna.

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El brillo de este adorable personaje se roba el show ante una fría y algo triste Anna Wintour quien no parece hacer mucho mas que seleccionar que sale y que no en la revista, pero no olvidemos que es este criterio el que ha solidificado la posición de Vogue en el mercado. Podríamos concluir entonces, que Grace es el corazón mientras Anna es el cerebro de la “Biblia de la Moda”.

Se destaca la excelente selección de música hecha por Margaret Yen para el documental. Piezas como Destroy everything you touch de Ladytron, Suffer for fashion de Of Montreal, Around the Bend de The Asteroid Galaxy Tour o Don’t you worry de Jim Noir son tan solo una pequeña muestra.

En fin, para aquellos que como yo disfrutan  de tanta “superficialidad” es fundamental ver este documental.

Ficha técnica:

Productor y Director: R.J. Cutler

Año: 2009

País: EEUU

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Por lo general, bajo de Cuevana cosas que llegan a la cartelera venezolana pero que no pagaría por ver; son esas películas que no voy a querer tener entre mi colección porque terminarían ocupando un espacio de manera innecesaria en mi repisa. Una de esas es Unknown (2011).

La historia va de un científico, Liam Neeson, que llega junto a su esposa a Berlín para dar una conferencia sobre biotecnología. Al llegar al hotel, este nota que su portafolio se quedó en el aeropuerto y se devuelve a buscarlo, en el proceso sufre un accidente automovilístico que lo deja en coma durante cuatro días. Al despertar tratar de retomar su vida, pero se da cuenta que ha sido sustituido por alguien que dice llamarse igual que él y al que su esposa reconoce como marido, ¿Qué pasó? ¿Por qué la esposa no lo reconoce? Bueno, esto es parte de lo que se irá revelando conforme avance el film.  Durante sus casi dos horas la película te mantiene haciéndote preguntas sobre lo que ocurre, transformándose así en una buena opción para pasar el rato.

Es un film de  acción para nada malo, pero tampoco se puede decir que sea la cosa más original del mundo; por alguna razón me recuerda a The Fugitive (1993), con todo el tema de la persecución y los recuerdos incompletos. Las actuaciones son normales aunque se destaca la aparición de varios actores alemanes, en roles secundarios, que han participado en películas muy buenas como “Los Falsificadores”, “La vida de los Otros”, “Los Edukadores” o “The reader”.

El final resulta aceptable y hasta un poquito sorprendente, de esos que dan para decir aaah!!!, con tono de alguien que se asombra al comprender algo.

Una película de fin de semana.

Ficha Técnica:

Titulo: Unknown

Género: Acción

País: Estados Unido

Duración: 113 min

Año: 2011

Dirección: Jaume Collet-Serra

Guion: Oliver Butcher y Stephen Cornwell

Fotografía: Flavio Labiano

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Este es el tipo de saltos que me permite el internet en los últimos días; pasar de lo más infantil a lo más asqueroso.

Tenía la idea de ver Encantada desde que vi a Amy Adams en los Oscar de 2007 con un sencillo vestidito negro en un escenario absolutamente vacio cantando “Happy Working Song”. En mi opinión esa chica llenó el escenario completo con su actuación. Me recordó tanto a Julie Andrews en The Song of Music y en Mary Poppins (películas de mi infancia) que me dije: ¡hay que verla!

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El momento llegó el sábado en la madrugada. Para ver esta película hay que entender, primero, que es de Disney, en consecuencia, veremos mucha música y gente feliz durante las horas que dure el film, sin mencionar el fácil happy ending que puede elevar tus niveles de azúcar en la sangre de forma no apta para diabéticos.

Superado esto, la película inicia con 13 minutos fastidiosisimos, sigue con 50 minutos que pueden catalogarse como aceptables y termina con 40 minutos de agonía edulcorada mortalmente. De esta especie de homenaje/paródico de las películas de Disney lo único que se puede rescatar es el trabajo de Amy durante los 50 min aceptables.

A la mayoría le parecerá ridícula su actuación pero, en realidad, crea un personaje adorable y absurdo tal cual son los personajes de Disney. Las expresiones de su rostro son tan adecuadas que logra un efecto que se encuentra entre lo inocente y lo idiota sin establecer una línea verdaderamente definida. La segunda mejor actuación es la Pip, la ardilla, mientras que el resto de personajes no vale la pena mencionarlos.

Ya para terminar, he de hablar sobre algunos errores, que resultan chocantes, en la continuidad de las escenas. Píllense, por ejemplo, como Patrick Dempsey cambia de look en la escena de la pizzería o cuán falso es el fondo al momento en que se despiden de Giselle, etc.

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Pasemos ahora a Splice (2009), vi esta película porque en ella trabajan Adrien Brody y Sarah Polley, ambos en alta estima para mí. El film explota el trilladísimo tema de la creación de vida por parte del hombre, ese del que oímos desde el romanticismo con Frankenstein ahora renovado con la clonación.

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Este Poster es de lo + exagerado: "One of the most Original and unique movies of the year" …por favor!!!

Es casi una versión de Species, película de 1995, a la cual le han sacado todo el jugo posible con la realización de pésimas secuelas. Los paralelismos entre ambos films son los siguientes:

En ambas, la criatura es femenina (en Splice por lo menos lo es hasta los últimos 15 minutos) y es una mezcla de humano con otras vainas (en Species es con un alien  y aquí la cosa es con animales);

En ambas, la criatura tiene un desarrollo de crecimiento acelerado;

Finalmente, en ambas, la criatura se aparea con humanos. Si consideramos que Brody y Polley, como creadores del hibrido son sus padres, podríamos decir que el tema del incesto está presente.  

Lo que cambia en Splice es que no vemos una persecución, como en Species, sino más bien el proceso de crianza de la criatura hasta que ésta enloquece volviéndose una amenaza.

En realidad nada nuevo.

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Desde la última Semana Cultural de Japón organizada en Caracas (febrero de 2011) estoy esperando ver este anime. Tokyo Godfathers formó parte de un homenaje al director de animes Satoishi Kon en el marco de esta celebración.

En esa oportunidad se estaban exhibiendo, además de la ya mencionada, sus obras: Millenium Actress, Perfect Blue y Paprika. De éstas pude ver en aquel momento la primera y la tercera, respectivamente; la segunda la conseguí por los “caminos verdes” y, finalmente, la última apareció en la pantalla de Ávila Tv el pasado domingo.

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Este director hace un tratamiento maduro del género anime al desarrollar temáticas menos infantiles en sus películas. Crea personajes de gran profundidad psicológica envueltos en situaciones en donde sus fantasías y mundo interior se exteriorizan haciendo que las fronteras entre lo irreal y lo real se rompan.

En Millenium Actress, por ejemplo, cuando Chiyoko cuenta su vida, lo hace mezclando su historia con la de los personajes que representó en el cine, atenuando esa línea entre lo real y lo ficticio, dando la impresión de que ha vivido desde hace siglos. En el caso de los personajes de Perfect Blue, Kon hace exterior la crisis de identidad y alienación de estos al alterar el cómo se perciben a si mismos, generando el mismo efecto que en el anterior film.

No obstante, en Tokyo Godfathers deja de lado en gran medida, más no del todo, estos elementos para contarnos una historia mas cercana a la realidad. Nos muestra a Hanna, Gin y Miyuki, tres indigentes que durante navidad se encuentran una bebe abandonada; primero consideran la idea de quedársela, ya que Hanna siempre ha deseado tener un hijo, mas consientes de que su situación no es la adecuada deciden buscar a la familia de la niña para devolverla. Durante este proceso iremos descubriendo las historias personales de estos parias a los que la sociedad les dio la espalda y el cómo llegan a la situación de calle en la que se encuentran.

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Hanna, el personaje + adorable de la película =)

La película toca temas como el trato que la sociedad otorga  a aquellos que terminan en situación de indigencia; la forma en que son deshumanizados y apartados por ésta. Por otra parte, también habla de la necesidad humana de sentirse parte de un grupo o familia; estos tres parias se encuentran en el camino y forman lo que yo llamaría una “familia urbana”, unida por un lazo mas fuerte que la sangre, la amistad.

La película es divertida y conmovedora, es toda una joya del anime japonés. Esperemos que Kon, quien falleció en agosto del 2010, nos sorprenda gratamente con su próxima y última obra que se supone se estrenará en el presente año.

Esperando con ansias…